10 Allégories qui imaginent si les pays étaient des personnes

Les personifications anthropomorphiques ont été utilisées pour symboliser l’essence d’un pays et de son peuple, apparaissant souvent dans des dessins animés et de la propagande politique. Elles se présentent généralement sous la forme de déesses guerrières pour illustrer la puissance militaire et la force d’une nation. Non seulement des pays, mais aussi des continents entiers se voient attribuer des attributs humains.

Par exemple, la célèbre carte de 1593 du cartographe italien Cesare Ripa illustre l’Europe en tant que dame vêtue de vêtements fins, ornée de bijoux et d’une couronne. L’Asie était également représentée comme une femme en riches habits, mais sa posture passive et son regard baissé contrastent fortement avec l’attitude hautaine et dominatrice de la Dame Europe. L’Afrique était une femme noire aux seins et aux jambes nus, tandis que les Amériques, également exposées, portaient un couvre-chef plumé et tenaient un arc et des flèches.

Avec l’essor des dessins animés politiques, les questions nationales et les affaires mondiales ont été de plus en plus véhiculées par le biais de métaphores, d’allégories et de satire, et la personnification des attributs du citoyen ordinaire est devenue populaire. Ces représentations de l’Homme Commun résonnaient profondément avec le peuple et étaient acceptées comme une incarnation plus réaliste du caractère national.

10 Bharat Mata (Inde)

Bharat Mata, ou Mère Inde, est un symbole qui unifie les diverses populations et cultures du pays, transcendant les différences de langue et de religion dans le vaste sous-continent. L’idée d’avoir une déesse mère pour l’État-nation indien est née avec l’essor du fervent patriotisme et de la lutte contre le régime britannique aux 19e et 20e siècles. Toutefois, elle a des racines anciennes dans la tradition d’attribuer des divinités patriciennes à des lieux spécifiques, chaque village étant associé à une grama-devi. Kolkata, par exemple, a Kali, et Mumbai a Mumba Devi.

Le premier défi sérieux à la Compagnie britannique des Indes orientales est survenu lors de l’insurrection des sepoys de 1857. En 1873, la pièce Bharat Mata de l’écrivain bengali Kiran Chandra Bandyopadhyay, qui se déroule durant la famine du Bengale de 1770, mettait en scène une déesse incitant le peuple à se révolter contre les Britanniques. Ce thème a été répété dans un poème de 1882 de Bankim Chandra Chattopadhyay (ou Chatetterjee), “Vanda Mataram” (“Je m’incline devant toi, Mère”). L’image de la déesse a été définie pour la première fois dans une peinture de 1905 par Abanindranath Tagore, la représentant comme un minstrel errant aux quatre bras, chacun tenant une gerbe de blé, un morceau de tissu, un livre et un chapelet.

Représentant à l’origine seulement le Bengale, la déesse a été adoptée par le reste de l’Inde en tant que Bharat Mata dans les années 1930, à mesure que le mouvement d’indépendance se développait. Sa représentation évolua vers une femme vêtue d’un sari, se tenant sur une carte de l’Inde. Le premier temple dédié à la nouvelle déesse mère a ouvert ses portes en 1936 à Varanasi. Aujourd’hui, l’État indien indépendant et laïque la considère toujours comme un puissant symbole unificateur.

9 Juan de la Cruz (Philippines)

Juan de la Cruz, en espagnol pour Jean de la Croix, avec son chapeau “salakot” et sa tenue traditionnelle, symbolise les masses philippines et leur identité nationale. Il est donc surprenant de constater que cette figure a été conçue par… un Écossais.

Robert McCulloch-Dick, natif d’Édimbourg, a fondé le Philippine Free Press en 1908, arrivant dans le pays en tant que reporter judiciaire pour le Manila Times. Ce travail l’a familiarisé avec les dossiers judiciaires, où il a remarqué combien le nom Juan de la Cruz apparaissait fréquemment sur les rapports de police, les dossiers judiciaires et les certificats de baptême. Juan était le nom le plus courant durant la période espagnole. Comme la plupart des Philippins étaient analphabètes à l’époque, ils mettaient simplement une croix pour indiquer leur nom sur les documents, d’où “Juan de la Cruz”. McCulloch-Dick a commencé à utiliser ce nom pour représenter le Philippin ordinaire.

Lorsqu’il a fondé son propre magazine Philippine Free Press, il a utilisé le personnage pour raconter des histoires, souvent liées à des crimes. En 1912, Jorge Pineda, l’artiste résident du magazine, a dessiné pour la première fois ce qui est devenu la représentation standard de Juan de la Cruz — un individu d’apparence naïve avec un chapeau traditionnel, une chemise de type “camisa de chino”, un pantalon traditionnel et des chaussures. Les médias ont par la suite adopté cette image pour aborder d’autres questions allant au-delà de la criminalité, touchant à des sujets d’importance nationale.

8 Srulik (Israël)

Kariel Gardosh, né Karl Goldberger à Budapest en 1921, a vu la majorité de sa famille assassinée par les nazis à Auschwitz lors de la Seconde Guerre mondiale. En 1948, il a immigré dans le nouvel État d’Israël et a rejoint le personnel du journal Maariv en tant que commentateur politique et dessinateur sous le pseudonyme Dosh. Gardosh a décidé que la nouvelle nation devait avoir une personnification, et le souvenir d’Auschwitz l’accompagnait alors qu’il dessinait un personnage complètement opposé aux caricatures antisémites des années 1930.

“Le symbole de l’État devrait être un petit garçon vêtu des habits d’un enfant israélien typique.” Dosh a réfléchi. “À mes yeux, cela symbolisait Israël comme je souhaiterais le voir : l’esprit des premières années de l’État et tous ses aspects positifs.” Dosh a dessiné un jeune garçon portant une chemise de style cargo, un pantalon kaki, des sandales et un chapeau de type “bucket” israélien. Il a été nommé Strulik, un surnom commun pour les garçons nommés Yisrael.

Apparu pour la première fois en 1951, Strulik avait moins de dix ans, et son âge a par la suite reflété celui de sa nation. Alors qu’Israël se développait, Strulik grandissait également. Déjà adolescent durant la guerre des Six Jours de 1967, il avait échangé sa tenue de kibboutz contre un uniforme des Forces de défense israéliennes. Son visage reflétait également les problèmes que connaissait Israël : passant d’un enfant innocent au sourire optimiste, Strulik a adopté une attitude plus cynique à mesure qu’il grandissait. Dosh a décidé de stopper son vieillissement et de faire de Strulik un adolescent éternel.

Les Israéliens estiment que Strulik exprime exactement leurs propres sentiments, et il est devenu un symbole national adoré. En 1998, Israël a émis un timbre postal à son effigie pour célébrer son 50e anniversaire.

7 Eriu (Irlande)

La mystérieuse race de demi-dieux, les Tuatha De Danann, possédant une sagesse divine et des pouvoirs magiques, est arrivée en Irlande dans un lointain passé brumeux depuis un Autre-Monde, s’y établissant en tant que ses souverains. Après un siècle, un autre groupe appelé les Milesiens, des Gaels ayant traversé l’Espagne pour atteindre l’Irlande, est venu contester leur souveraineté. Les Tuatha De Danann ont résisté, mais trois sœurs — Eriu (plénitude, générosité, abondance), Fodla et Banba — avaient déjà pressenti que les Milesiens, dont les Irlandais tirent leur ascendance, étaient destinés à prendre le pouvoir, et qu’il était temps pour les Tuatha de retourner à l’Autre-Monde.

Les sœurs ont été chargées de négocier avec le roi milesien Amergin. Le druide a rencontré Eriu au sommet de la colline sacrée Uisneach, où elle a consenti à ce que la terre soit nommée d’après elle et ses sœurs. Amergin a accepté, et le pays a pris son nom d’Eriu (Eire en irlandais, Erin en anglais). Depuis, Eriu, et dans une moindre mesure, Fodla et Banba, sont devenues les représentations de l’Irlande.

Tout au long des siècles, l’histoire tragique de l’Irlande s’est exprimée dans des représentations d’Eriu en larmes, mais l’espoir qu’elle se réveille un jour est constant :

Quand Erin est sortie pour la première fois des flots sombres,
Dieu bénit l’île verte et vit qu’elle était bonne ;
L’émeraude de l’Europe, elle scintillait et brillait,
Dans l’anneau du monde, la pierre la plus précieuse.

Ce poème, “Quand Erin est sortie pour la première fois”, écrit par William Drennan en 1884, a été le premier à appeler l’Irlande “L’île émeraude”. Aujourd’hui, des équipes sportives, des clubs, des partis politiques et d’autres groupes scandent le slogan “Erin Go Bragh !” (“Irlande jusqu’à la fin des temps !”) comme expression de fierté nationale.

6 Holger Danske (Danemark)

Contrairement aux autres personnages de cette liste, la personnification de Holger Danske, ou Holger le Danois, était probablement basée sur une personne réelle. Dans la légende française La Chanson de Roland, datant de 1060, il était un guerrier mineur du 8e siècle ayant servi le roi franc Charlemagne. Une histoire ultérieure du poème “La Chevalerie d’Ogier de Danemarche” (1200–1215) en fait le fils de Gudfred, roi du Danemark et ennemie de Charlemagne. Holger devient otage en France, mais grâce à un retournement de situation, il sauve le pays des Sarrazins.

L’histoire de Holger a été beaucoup embellie dans la littérature ultérieure, et d’un personnage mineur, il est devenu un héros noble. L’opéra du 18ème siècle Holger Danske lui a même donné une petite amie arabe, Rezia, la fille du sultan de Bagdad. Les légendes racontent qu’il dort sous le château de Kronborg, prêt à se réveiller et à défendre le Danemark chaque fois que le pays est menacé.

Le conte d’Hans Christian Andersen raconte que sa barbe s’est incrustée dans la table de marbre pendant qu’il dormait, étant visité chaque veille de Noël par un ange qui lui dit que le Danemark est en sécurité et qu’il peut continuer à dormir. Il a sauvé le Danemark une fois, en esprit plutôt qu’en personne. L’un des plus grands groupes de résistance pour lutter contre les nazis a été nommé Holger Danske, et son opéra a été joué à plusieurs reprises durant l’occupation comme un appel à l’unité et au patriotisme.

Nous pouvons toujours visiter la grande statue de Holger le Danois au château de Kronborg, où il dort en animation suspendue.

5 Deutscher Michel (Allemagne)

Deutscher Michel ou Michel l’Allemand est pratiquement inconnu en dehors de l’Allemagne, la représentation plus familière de la nation étant Germania, une jeune femme aux longs cheveux roux, portant une armure et brandissant le Reichsschwert, l’épée impériale. Son bouclier affiche un aigle noir ; elle porte ou tient souvent la couronne du Saint Empire romain. Germania est une allégorie de la puissance et de la force de la nation.

German Michel est le contraire complet de Germania et symbolise la manière dont les Allemands se voient réellement. Il est généralement dépeint comme un personnage simple, terre-à-terre, joufflu, de taille moyenne et d’âge mûr, vêtu d’une chemise de nuit et d’une coiffe à pompon. Il peut être représenté de manière positive ou négative selon qui le dessine. La tendance à l’auto-réflexion critique et à l’autodérision est typiquement allemande, et Michel est un parfait exemple de cela. Cela se reflète dans son nom même, Michel, le diminutif de Michael, l’archange martial puissant et patron de l’Allemagne, ramené à quelque chose de beaucoup plus modeste.

Michel apparaît pour la première fois au 16e siècle, mais il ne devient vraiment populaire qu’au cours de l’engouement nationaliste du 19ème siècle. Michel est utilisé par des poètes et des journalistes pour éduquer la masse sur le plan politique. Les Allemands, ayant accepté sans protestation la vision des étrangers les décrivant comme des gens inoffensifs mais décents (du moins avant l’unification et sa carrière désastreuse qui s’ensuit), Michel était représenté en conséquence. Le pompon de sa coiffe est devenu un indicateur des vents politiques et économiques, tombant lors des mauvaises périodes et pointant vers le haut lors des bonnes facéties. Il est devenu plus jeune et plus dynamique, alternant entre artisan et bourgeois selon l’humeur des temps.

Michel a subi une autre transformation avec l’établissement du Deuxième Reich et une conscience nationale acquise. Dans une sculpture de 1895 par Friedrich Reusch, Michel est représenté comme un homme stocky et musclé en pagne et coiffe à pompon, tenant une houe sur son épaule gauche. Mais en général, Michel était souvent dépeint de manière négative, et les nazis le haïssaient pour cela. Après la Seconde Guerre mondiale, Michel a continué à être la voix des commentateurs politiques de l’Allemagne de l’Ouest.

4 Marianne (France)

Marianne est la figure féminine représentant la France, et ses origines peuvent être retracées jusqu’à la déesse romaine de la liberté, Libertas. Libertas est la même déesse dont la célèbre statue garde désormais le port de New York. Elle a été adoptée par les révolutionnaires français en 1792 pour remplacer l’image du monarque haï en tant que symbole de la nation. Renommée Marianne, une combinaison des noms féminins français Marie et Anne, les plus courants au 18e siècle, elle portait un bonnet phrygien, le couvre-chef des esclaves libérés dans la Grèce et Rome anciennes.

La représentation la plus célèbre de Marianne est le tableau de 1830 d’Eugène Delacroix, La Liberté guidant le peuple, qui l’imagine comme un personnage martial, semblable à Athéna, menant les gens au combat. Ses seins nus signent sa défiance à l’égard des conventions traditionnelles au nom de la liberté. Moins connue est La République d’Honoré Daumier, où ces seins sont sucés par deux nourrissons, symbolisant Marianne comme nourrisse et souteneuse de la France.

Lorsque la monarchie fut restaurée au début du 19ème siècle, Marianne a pris une pause, mais depuis le retour du républicanisme, elle a été omniprésente. Son monument a été dévoilé sur la Place de la République à Paris en 1883 (où elle a récemment été drapée de la bannière ukrainienne). Elle apparaît sur des bustes dans les mairies, des timbres, des pièces de monnaie, des lettres gouvernementales et d’autres documents officiels. Des célébrités françaises célèbres ont servi de modèles pour Marianne — Brigitte Bardot, Michèle Morgan, Catherine Deneuve, Laetitia Casta et Sophie Marceau, la rendant encore plus pertinente dans les temps modernes et laïques.

3 Brother Jonathan/Uncle Sam (États-Unis)

Avant le 19e siècle, les États-Unis jeunes étaient représentés par Brother Jonathan, un personnage peu flatteur. Il était un farceur peu sympathique, rusé et mal élevé, mais dans ces premières années, les Américains s’identifiaient à son courage et à son côté peu sophistiqué, se rappelant avec fierté que ces mêmes qualités d’outsider les avaient aidés à obtenir leur indépendance. Ils pensaient que leur simplicité rustique et leurs manières crues étaient le contrepoint parfait à la pomposité aristocratique britannique. Le nom Jonathan était populaire en Nouvelle-Angleterre, et durant la Révolution, les Britanniques se moquaient des patriotes colons de cette région en les appelant « Jonathans ». Les Américains dans leur ensemble l’ont adopté, et Brother Jonathan est resté populaire jusqu’à la guerre de Sécession.

Entre-temps, pendant la guerre de 1812, un boucher de Troy, New York, du nom de Samuel Wilson, a fourni de la viande à l’armée américaine dans des fûts marqués “U.S.” pour “United States”. Comme Wilson était affectueusement appelé Uncle Sam, les troupes ont commencé à faire référence à l’étiquette comme représentant “Uncle Sam”. Le journal local, le Troy Post, a diffusé l’histoire, et à partir de ce moment, les États-Unis ont été identifiés avec Uncle Sam.

Il semble déjà que le terme Uncle Sam avait été utilisé pour représenter les États-Unis auparavant, mais l’histoire du Troy Post est acceptée comme l’origine officielle du surnom de la nation. En 1837, dans le seul dessin animé connu représentant Brother Jonathan et Uncle Sam ensemble, ce dernier est affalé dans un fauteuil, accablé par ses soucis financiers, tandis que Brother Jonathan appelle un médecin.

Le dessinateur politique Thomas Nast a défini l’image d’Uncle Sam dans la seconde moitié du 19ème siècle, avec sa barbe blanche à la Lincoln, son costume aux étoiles et aux rayures, et son haut-de-forme. À cette époque, avec l’Amérique prête à devenir une puissance mondiale, elle avait l’impression d’avoir dépassé Brother Jonathan. Le Yankee peu raffiné ne pouvait pas représenter les habitants vers le sud et les nouveaux États de l’ouest de la nation en expansion. L’Uncle Sam stoïque et sérieux a supplanté Jonathan en tant que visage des États-Unis modernes et industriels et de son puissant gouvernement.

2 John Bull (Royaume-Uni)

La demande britannique s’étend sur plus de 1 500 ans, mais ce n’est qu’au 18e siècle, avec l’essor de la satire politique, que la nation a commencé à être représentée par un Anglais typique, “un homme honnête et franc, colérique, audacieux et d’un tempérament très inconstant.” Nommé John Bull (le nom “Bull” pourrait faire allusion à l’affection britannique pour le bœuf), il a été créé par le scientifique, médecin et satiriste écossais John Arbuthnot, qui l’a introduit en 1712 dans une série de brochures allégorisant la lutte contre “Lewis Baboon” (le roi Louis XIV). Dans l’histoire, John Bull fait équipe avec son ami drapier “Nicholas Frog” (Pays-Bas) pour résister à l’ingérence de Lewis dans leur commerce.

John Bull a émergé en caricature en 1762, et les dessinateurs ont souvent dessiné un personnage quelque peu idiot, entravé par la dette, la taxation ou l’oppression. Au milieu du 19e siècle, pour refléter la croissance de l’industrialisation et la prospérité, Bull est devenu un homme corpulent en queue-de-pie avec des culottes, l’Union Jack affiché sur son gilet, souvent accompagné d’un bulldog. Ses dimensions portly, ses joues roses et son visage dodu signifiaient abondance et bonne santé. Bull est un personnage pragmatique, épris de bon sens, avers au intellectualisme, amoureux des chiens, des chevaux, de la bière et des sports champêtres. Il est devenu plus affirmé et était même prêt à critiquer la famille royale.

À l’instar d’Uncle Sam, John Bull a été utilisé dans des affiches de recrutement durant la Première Guerre mondiale, pointant vers les hommes britanniques et disant : “Qui est absent ? Est-ce vous ?” D’ici les années 1950, il était moins fréquemment vu, mais il demeure un symbole adoré.

1 Johnny Canuck (Canada)

La menace d’invasion et d’annexion du Canada par Donald Trump n’est rien de nouveau. En 1869, deux ans après que la Confédération ait uni les trois provinces britanniques de l’Amérique du Nord en Dominion du Canada, la menace de son voisin du sud était encore un problème. Cette année-là, une caricature dans le magazine humoristique montréalais Grinchuckle montrait un homme musclé donnant un coup de pied à Uncle Sam pour le renvoyer de l’autre côté de la frontière.

Nommé Johnny Canuck, il est ensuite apparu dans plus de dessins politiques, communément représenté comme un bûcheron. Son nom de famille, Canuck, était simplement le surnom d’un Canadien, originaire peut-être du mot (surprise !) hawaïen pour homme — “kanaka” — mais utilisé par les Américains et les Britanniques pour désigner un “étranger.” Ainsi, cela a commencé comme un terme péjoratif pour les Canadiens français, mais a progressivement perdu ses connotations négatives et, au fil du temps, a été appliqué à tous les Canadiens.

Johnny a représenté le Canada jusqu’à la fin du 19e siècle, lorsqu’il a pratiquement disparu de la vue. Mais alors que le Canada était entraîné dans la Seconde Guerre mondiale, Johnny a fait un retour retentissant en 1942, cette fois en tant que pilote de chasse au torse large désireux de combattre les nazis. Ce relookage a été l’œuvre de Leo Bachle, un dessinateur de 14 ans pour Dime Comics, inspiré par la frénésie des super-héros qui ont produit Superman et Batman à la fin des années 1930. Johnny n’avait pas de superpouvoirs, mais il compensait cela par son agilité athlétique et ses compétences exceptionnelles en pilotage. Les fans ont suivi ses aventures en tant que capitaine dans l’Aviation royale canadienne à travers 28 numéros de Dime Comics jusqu’en 1946.

En 1975, Johnny a été encore transformé, cette fois en Captain Canuck, un policier de la Gendarmerie royale dont la rencontre avec des extraterrestres lui a donné des pouvoirs surhumains. Arborant un costume rouge et blanc orné de feuilles d’érable, il est le parfait contrepoint de Captain America. En tant que symbole de l’identité et de l’indépendance canadienne, il défend le Canada contre les dangers extérieurs. À l’occasion de son 50e anniversaire, Captain Canuck a été représenté faisant un doigt d’honneur à Presidente Trump, dont les tarifs et la menace de faire du Canada le 51e État ont ravivé le sens de l’unité et du nationalisme canadiens.