L’art de la performance est parfois appelé art-choc. Il est intrinsèquement perturbant et inconfortable, repoussant les limites de la société, de l’expression artistique et même du corps de l’artiste pour provoquer une réaction. Contrairement aux médiums traditionnels, l’art de la performance n’est pas quelque chose que l’on observe simplement : le public fait partie intégrante de l’œuvre, parfois en tant que témoins involontaires, parfois en tant que participants.
À son extrême, cette forme d’art ne se contente pas de faire réfléchir les gens, elle les fait ressentir la peur, le dégoût et même la révulsion. Au nom de l’art, les artistes de la performance ont osé aller là où peu de gens oseraient, utilisant leur corps pour créer quelque chose qui ressemble plus à l’horreur qu’à l’art traditionnel.
De l’automutilation à la violence publique en passant par le cannibalisme, voici les pièces de performance les plus choquantes jamais réalisées.
Sommaire
10 Dîner – Manger des gens par Zhu Yu
Avec Dîner – Manger des gens, l’artiste performeur contemporain chinois Zhu Yu a posé une question simple : « Pourquoi les gens ne peuvent-ils pas manger des gens ? » En fait, il l’a imprimée sur des cartes postales et les a distribuées à quiconque s’interrogeait sur son travail.
L’œuvre résultante était une série de photographies mises en scène montrant l’artiste en train de préparer et apparemment de manger un fœtus mort-né de six mois. Bien que les images aient été retirées à la dernière minute pour éviter la censure chinoise, elles ont tout de même été diffusées largement. Zhu a insisté pour dire que son travail n’était pas de l’art de la performance mais de la « photographie conceptuelle ». Cependant, il n’a jamais répondu à la question qui préoccupait tout le monde : a-t-il réellement mangé un fœtus ? Il a ensuite été révélé qu’il s’agissait d’un spécimen de laboratoire trempé dans du formaldéhyde, et qu’il ne l’avait pas réellement mangé.
Zhu n’était pas étranger à la controverse. Auparavant, il avait fait les gros titres pour avoir mangé de la confiture faite à partir de cerveaux humains, utilisé des cadavres humains lors de ses performances en direct, et demandé à une prostituée de porter son enfant et de l’avorter.
9 Fixation par Pyotr Pavlensky
Les gens protestent de toutes sortes de manières : en signant des pétitions, en scandant des slogans, même en faisant des grèves de la faim. Il est cependant rare de voir quelqu’un protester en s’attachant les organes génitaux au sol. C’est exactement ce que l’artiste russe Pyotr Pavlensky a fait en 2013 dans le cadre de sa performance Fixation, protestant contre l’État policier croissant en Russie et la répression des artistes.
Pavlensky avait précédemment été dans l’actualité pour s’être cousu les lèvres en solidarité avec Pussy Riot et s’être enveloppé de fil barbelé pour protester contre les restrictions sur la liberté d’expression. Fixation, cependant, était son acte le plus extrême à ce jour. Il est resté immobilisé pendant plus d’une heure avec son scrotum cloué aux pavés de la place Rouge à Moscou, tandis que touristes et policiers regardaient, ne sachant pas comment gérer un manifestant physiquement attaché au sol.
Il a ensuite expliqué que l’idée provenait de prisonniers des Goulag qui, selon lui, clouaient leurs scrotums aux arbres pour protester contre les conditions de vie.
8 Suspensions par Stelarc
Stelarc est un artiste australien connu pour explorer la relation entre le corps humain et la technologie à travers son propre corps. Ses projets incluent Ping Body, où son corps était contrôlé à distance par des utilisateurs d’Internet, et Third Ear, où il a implanté une oreille cultivée en laboratoire dans son bras. Son œuvre la plus choquante reste cependant le projet Suspensions—une série d’expositions vivantes à travers le monde où il suspendait son corps par des crochets enfoncés dans sa peau.
Effectuées pour la première fois dans les années 1970, les performances utilisaient des crochets chirurgicaux attachés à des câbles qui le soulevaient dans les airs, parfois immobile, parfois en train de se balancer ou de tourner. Il a répété cela plus de 30 fois dans des lieux allant de Tokyo à l’Allemagne et à l’Australie. Les performances pouvaient durer jusqu’à 20 minutes ou se terminer en quelques secondes, comme lorsqu’il a perdu connaissance après seulement 60 secondes de suspension.
Bien que ces suspensions aient été soigneusement planifiées avec des ingénieurs, elles n’ont jamais été répétées—on ne peut pas « répéter » le fait de se suspendre à des crochets en acier enfoncés dans le corps.
7 Untitled (Syncope) par Kira O’Reilly
Untitled (Syncope) commence avec Kira O’Reilly, une artiste britannique, marchant dans un espace industriel. Elle est complètement nue, à l’exception de talons aiguilles rouges et d’une coiffe en plumes noires, rappelant les performances de burlesque des années 1930. Le public, généralement des spectateurs inattentifs qui ne savent pas à quoi s’attendre, regarde alors qu’elle se met à danser. Elle se déplace rigidement, presque comme un robot, ses pas correspondant au rythme d’un métronome diffusé en fond sonore.
Tout à coup, elle prend un scalpel et fait des incisions profondes dans ses mollets. Elle continue à danser malgré le sang rouge vif qui s’accumule dans ses chaussures, créant un contraste visuel saisissant avec le décor gris et sans couleur.
Le numéro a été présenté deux fois, à Londres en 2007 et à Glasgow en 2010. Bien que les premières œuvres d’O’Reilly aient exploré des thèmes tels que l’automutilation et notre relation avec la médecine moderne, Untitled (Syncope) était davantage une déclaration contre les représentations contemporaines des femmes dans la culture populaire.
6 Quatre scènes dans une vie dure par Ron Athey
Quatre scènes dans une vie dure a été interprété par Ron Athey dans le contexte de la pandémie de VIH/SIDA au début des années 1990. C’était une performance controversée, mettant en scène Athey et d’autres artistes participant à des actes troublants avec des accessoires tels que des tables médicales, des harnais suspendus et des aiguilles. La partie la plus choquante était la saignée, les performeurs utilisant parfois des instruments chirurgicaux pour saigner sur scène.
Athey, un artiste séropositif ayant grandi dans une culture pentecôtiste, a créé la pièce dans le cadre de sa Trilogie de la torture, combinant imagerie religieuse et art corporel extrême. La performance comprenait quatre scènes, chacune s’intensifiant alors qu’Athey et son équipe exploraient des thèmes de douleur et d’endurance.
La réaction a été immédiate. Des politiciens conservateurs ont poussé à la désignation de financements pour des performances similaires, conduisant à la censure des autres travaux d’Athey par des galeries d’art et le National Endowment for the Arts.
5 Ham Cybele – Banquet du siècle par Mao Sugiyama
En 2012, l’illustrateur japonais Mao Sugiyama a fait une déclaration extrême sur l’autonomie corporelle et les minorités sexuelles. Se définissant comme un artiste asexué, Sugiyama a fait enlever son pénis et ses testicules à l’âge de 22 ans. Il a conservé les organes au congélateur et a d’abord envisagé de les manger lui-même. Il a décidé de les transformer en un repas, proposé aux gens sur Twitter pour 100 000 yens.
Son message a rapidement viralisé, et le repas a été organisé sous la forme d’un banquet public qu’il a appelé Ham Cybele – Banquet du siècle, faisant référence à la déesse mère anatolienne Cybele. Environ 70 personnes ont assisté à l’événement, bien que seulement cinq aient payé pour manger le plat principal.
Sugiyama, vêtu en chef, a préparé ses organes avec des champignons et du persil, bien que le plat ait été critiqué par certains comme caoutchouteux et fade. Le banquet incluait également une table ronde sur l’identité de genre et l’asexualité.
4 Cut Piece par Yoko Ono
Yoko Ono est généralement connue pour sa relation avec John Lennon, bien que peu de gens soient au courant de ses contributions essentielles à l’art de la performance. Sa pièce la plus célèbre, Cut Piece, a été réalisée pour la première fois en 1964 au Yamaichi Concert Hall de Kyoto, et elle l’a répétée à Tokyo, New York, Londres et Paris.
Elle a commencé en s’agenouillant sur scène avec seulement une paire de ciseaux à côté d’elle, invitant les membres du public à s’approcher—un par un—et à couper un morceau de son vêtement. Ono est restée immobile et sans expression alors que les gens coupaient lentement ses vêtements. Certains participants ont hésité, coupant poliment de petits morceaux, tandis que d’autres étaient plus audacieux, comme l’homme à New York qui a coupé la lanière de son soutien-gorge.
Souvent interprété comme un commentaire féministe sur l’objectification, Ono a précisé que la performeuse n’avait pas à être une femme ; cela représentait un commentaire plus large sur le pouvoir et la relation entre l’artiste et le public.
3 I Miss You par Franko B
Franko B était un artiste d’origine italienne résidant au Royaume-Uni, connu pour ses performances perturbantes et souvent sanglantes. Dans I Miss You—réalisée au Tate Modern de Londres en 2003—il a marché nu sur un podium en toile blanche, avec du sang s’écoulant de tubes médicaux insérés dans ses veines. Stylisée comme un défilé de mode, la pièce avait des photographes à l’extrémité du podium alors qu’il parcourait le catwalk pendant environ 15 minutes, laissant des flaques de sang à chaque extrémité. La toile tachée de sang a ensuite été utilisée dans ses peintures et installations.
Né à Milan, Franko a grandi dans un orphelinat avant de déménager à Londres à l’âge de 19 ans. Son style artistique était inspiré par d’autres artistes de la performance comme Marina Abramović. Ses autres œuvres incluent Aktion 398, où il s’est assis dans une pièce et a discuté avec des gens tout en maintenant une profonde coupure à l’estomac.
2 Kunst und Revolution par des artistes multiples
L’ Aktionnisme viennois a émergé comme un mouvement d’art vivant radical à Vienne dans les années 1960. Ses figures principales le décrivaient comme expérimental et transgressif, utilisant souvent des actes corporels extrêmes pour provoquer et confronter le public.
Peut-être son événement le plus infâme fut Kunst und Revolution—ou Art et Révolution—organisé par Günter Brus, Otto Mühl, Peter Weibel, Oswald Wiener et Malte Olschewski dans une salle de conférence de l’Université de Vienne. Bien que cela ait été censé faire partie des protestations en cours sur le campus, cela a rapidement dégénéré en quelque chose de beaucoup plus extrême.
Les artistes se sont produits nus, Brus se coupant, buvant son propre urine, vomissant et se barbouillant les excréments sur le corps tout en chantant l’hymne national autrichien. D’autres ont également pratiqué l’urination, la masturbation et le fouet. Les médias ont qualifié cela d’« obscénité universitaire », et le scandale a entraîné des arrestations. Brus a été condamné à cinq mois de prison ; Mühl a également purgé une peine, et Brus et Wiener ont ensuite été expulsés.
1 Rhythm 0 par Marina Abramović
Tandis que Rhythm 0 a commencé comme une performance explorant le contrôle et le pouvoir, cela s’est rapidement transformé en un test d’endurance. Organisé en 1974 à la Galleria Studio Mora à Naples, il a duré six heures. Abramović est restée immobile à côté d’une table contenant 72 objets, tels que des parfums, des roses et du sucre, ainsi que des objets dangereux comme des rasoirs, des couteaux et une arme chargée. Une étiquette disait : « Je suis l’objet. Pendant cette période, je prends l’entière responsabilité », invitant le public à faire ce qu’il voulait avec elle et les objets.
Au début, le public était hésitant, se contentant de poser à côté d’elle ou d’écrire sur sa peau. Au fur et à mesure que la soirée avançait, cependant, la foule est devenue plus violente. Quelqu’un a coupé son cou et a bu son sang ; d’autres ont déchiré ses vêtements et ont placé un couteau entre ses jambes. Finalement, un participant a pointé l’arme chargée vers sa poitrine, mettant un terme abrupt à la performance.
Rhythm 0 reste l’une des pièces d’art de la performance les plus extrêmes jamais créées. Elle n’a jamais été recréée, bien qu’elle puisse être revisitée à travers des photographies et les objets originaux préservés à la Royal Academy de Londres.
