La guerre froide a engendré plus que des abris antinucléaires et des exercices de mise à couvert. À une époque où la tension géopolitique pesait sur les esprits comme un nuage de champignon, les cinéastes ont canalisé la menace nucléaire dans l’art, la satire et le spectacle. Certains ont exploré la fragilité humaine, d’autres se sont tournés vers les monstres ou l’absurde, mais tous reflétaient les peurs — et parfois l’humour noir — de l’ère atomique.
Des films de monstres des années 1950 aux drames sombres des années 1980, ces dix films montrent comment le cauchemar nucléaire s’est déroulé à travers des décennies d’histoire cinématographique.
Sommaire
10 Le jour où la Terre s’arrêta (1951)
Ce classique de la science-fiction est librement inspiré d’une nouvelle de 1940 mais reflète une nouvelle réalité d’après-guerre lorsqu’il a été adapté pour le grand écran une décennie plus tard. Dans les deux versions, un vaisseau étrange apparaît à Washington, D.C., transportant un visiteur mystérieux, Klaatu, et un robot géant tout puissant. Cependant, dans le film, ils apportent un avertissement inquiétant aux dirigeants de la Terre : accepter d’utiliser l’énergie atomique de manière responsable ou faire face à l’anéantissement.
Le climat culturel des années 1950 a influencé la production de manière concrète. L’acteur Sam Jaffe, choisi pour jouer le rôle d’un mathématicien avec une chevelure à la Einstein, faillit être écarté du projet après qu’un pamphlet ait allégué des liens communistes. Le dirigeant du studio, Darryl Zanuck, lui permit de terminer le tournage, mais Jaffe ne reparut plus à l’écran pendant des années.
Le comité de censure des productions s’opposa également à la scène de résurrection de Klaatu, déclarant que “seul Dieu peut faire cela”. Le compromis : Klaatu explique que sa résurrection est temporaire, puisque le pouvoir de la vie et de la mort “est réservé à l’Esprit Tout-Puissant”.
9 Them! (1954)
Un des meilleurs films de créatures des années 1950, Them! avertissait du danger domestique posé par les armes nucléaires, cette fois sous la forme de gigantesques fourmis mangeuses d’hommes mutées par les radiations des sites d’essai. Le résultat fut un hybride entre film d’horreur, thriller policier et conte moral.
Les plans pour un film en couleur en 3D furent abandonnés car trop coûteux, et les considérations budgétaires entraînèrent d’importants changements de scénario. L’histoire fut déplacée de New York à l’aridité du Sud-Ouest, avec un climax se déroulant dans les égouts sous Los Angeles pour éviter le prix de location du Pier de Santa Monica. Une seule fourmi complète fut construite. Une seconde tête de fourmi était fixée à un bras et animée par une équipe utilisant des manettes et leviers. D’autres “figurants fourmis” n’avaient que des têtes et des antennes, animées par des machines à vent.
Malgré ces raccourcis, les effets spéciaux reçurent une nomination aux Oscars. Les lance-flammes utilisés à l’écran étaient totalement réels — prêtés par l’armée américaine et opérés par des vétérans de la Seconde Guerre mondiale.
8 Godzilla : Le roi des monstres ! (1956)
Une créature préhistorique réveillée par les essais de bombes à hydrogène américains détruisit d’abord Tokyo dans le film japonais Gojira (1954). Son nom combinait les mots japonais pour gorille (gorira) et baleine (kujira), suggérant une immense puissance et taille. Les cinéastes avaient initialement voulu utiliser l’animation en stop-motion mais manquaient de temps et d’expertise, ils créèrent donc un costume en caoutchouc à la place. Sous les lumières brûlantes du studio, l’acteur Haruo Nakajima transpirait à flots et s’évanouissait parfois.
Le rugissement emblématique du monstre fut produit en traînant un gant en cuir recouvert de résine sur une corde de contrebasse et en ralentissant l’enregistrement ; ses pas tonitruants proviennent d’un tambour à graisse frappé avec une corde nouée. Deux ans plus tard, un distributeur américain réédita le film sous le titre Godzilla : Le roi des monstres !
La durée passa de 96 minutes à 80, malgré l’ajout de Raymond Burr dans le rôle d’un reporter américain racontant les événements. Bien que la publicité ait prétendu qu’il avait passé deux mois au Japon, son rôle fut entièrement filmé à Hollywood en seulement six jours, puis monté dans les séquences originales.
7 Dans la chaleur de la nuit (1959)
Contrairement aux précédents films à petit budget, Dans la chaleur de la nuit était une sérieuse examination des personnes faisant face à une mort imminente. Le réalisateur Stanley Kramer, qui avait déjà produit des classiques tels que Le train sifflera trois fois (1952) et Mutinerie à bord du Caine (1954), réunit un casting prestigieux. Après un échange nucléaire qui anéantit l’hémisphère nord, un commandant de sous-marin américain (Gregory Peck) trouve refuge en Australie, rejoignant Ava Gardner et Fred Astaire (dans son premier rôle non musical) alors qu’ils attendent le nuage mortel de radiation qui s’approche.
Sans accès à un vaisseau américain, la production utilisa un sous-marin de la marine royale britannique basé en Australie, où la plupart du tournage eut lieu. Pour mettre en avant son message anti-guerre, le film fit sa première mondiale à la même date dans plus de 20 villes, dont Berlin, Johannesburg, Londres, Melbourne, Paris, Tokyo et Moscou, un première pour un film américain en Union soviétique.
Le gouvernement américain distribua même des mémos aux ambassades étrangères offrant des points de discussion sur le désarmement nucléaire et rassurant les diplomates que “un conflit nucléaire ne signifierait pas la fin du monde”.
6 Docteur Folamour ou : Comment j’ai appris à ne plus m’en faire et à aimer la bombe (1964)
Le réalisateur Stanley Kubrick prit le roman de 1958 Red Alert, traitant de la possibilité d’une attaque accidentelle, et fit un virage à 180 degrés par rapport aux thrillers nucléaires précédents. Voyant l’absurde sombre dans ce scénario, Kubrick le transforma en une “comédie cauchemardesque”, ajoutant le personnage bizarre et renommant d’autres personnages comme le colonel “Bat” Guano et le général Jack D. Ripper, le commandant détraqué qui lance une frappe sur Moscou par paranoïa à propos du fluor dans l’eau potable.
Le gouvernement américain ne trouva pas cela amusant. Les images aériennes tournées au-dessus du Groenland furent apparemment confisquées après que les équipes aient accidentellement filmé une base secrète. Ne disposant pas d’un véritable avion, l’équipe de Kubrick construisit le décor de cockpit du B-52 à partir d’une seule photo publiée. Peter Sellers improvisa une grande partie du dialogue pour ses trois personnages. Lorsqu’il abandonna un quatrième rôle, le pilote enthousiaste Maj. “King” Kong fut repris par Slim Pickens, qui n’était pas informé que le film était une comédie. Son équipage comprenait l’apparition cinématographique de James Earl Jones — une rare représentation d’une unité racialement intégrée à l’époque.
Après l’assassinat du président Kennedy, la sortie du film fut reportée de décembre 1963 à janvier 1964. Sellers reçut sa première nomination aux Oscars, et Kubrick en reçut trois autres pour le scénario, la réalisation et le meilleur film.
5 Fail Safe (1964)
Les similarités entre Fail Safe et Red Alert — toutes deux impliquant une frappe nucléaire déclenchée par une erreur informatique — entraînèrent un procès pour plagiat de l’auteur du second. Stanley Kubrick encouragea le procès pour protéger son propre Dr. Strangelove et s’assurer que sa satire parvienne d’abord dans les salles. Columbia Pictures, qui détenait les droits des deux films, se contenta de sortir la version de Kubrick quelques mois plus tôt.
Refusés de coopérer militairement, les cinéastes s’appuyèrent sur des images d’archives de bombardiers. Les scènes intérieures furent tournées dans un simulateur de vol loué à l’aéroport de LaGuardia, et des répliques des intérieurs du Pentagone et du Commandement stratégique aérien furent construites sur des studios new-yorkais. La carte du monde dernier “générée par ordinateur” de avions et explosions était en réalité une animation dessinée à la main projetée sur l’écran de la salle de contrôle.
Pour être prudents, le générique de fin rappela au public : “Les producteurs de ce film tiennent à souligner que la position déclarée du ministère de la Défense et de l’armée de l’air des États-Unis est qu’un système de protection et de contrôles rigoureusement appliqué garantit que des événements tels que ceux décrits dans cette histoire ne peuvent pas se produire.”
4 La Planète des singes (1968)
Avant de donner naissance à des suites, des dérivés et des reboots, La Planète des singes a commencé avec le roman de Pierre Boulle de 1963. Charlton Heston a défendu l’adaptation, jouant un astronaute qui s’écrase sur un monde où les singes règnent sur l’humanité. Rod Serling, de The Twilight Zone, a aidé à développer le scénario et a introduit la célèbre fin avec la statue de la liberté — son propre rebondissement révélant une Terre ravagée par des nucléaires.
Plus de 80 maquilleurs et près de 20 % du budget du film ont été consacrés à la création des personnages simiesques, valant au designer de maquillage John Chambers un Oscar d’honneur. Les acteurs qui passaient trois heures dans le fauteuil de maquillage devaient siroter leur déjeuner à travers des pailles, et les fumeurs utilisaient de longs porte-cigarettes pour protéger leurs prothèses.
Même le secret était strict : aucune photo de presse n’a été publiée à l’avance, et les acteurs étaient transportés en hélicoptère vers les lieux de tournage pour éviter d’être vus en costume.
3 Un garçon et son chien (1975)
Basé sur la novella de Harlan Ellison, Un garçon et son chien était présenté comme “une histoire de survie classée R, plutôt kinky”. Son prologue donne le ton : “La Troisième Guerre mondiale a duré cinq jours. Les politiciens avaient enfin résolu le problème de la dégradation urbaine. 2024 après Jésus-Christ.” Un jeune homme (Don Johnson) et son chien télépathe — le plus intelligent des deux — traversent une terre désolée, cherchant sexe et nourriture. Ils tombent sur une étrange colonie souterraine qui prévoit d’utiliser le teenager pour renouveler son stock de reproduction avant de le tuer.
La comédie noire a été produite de manière indépendante pour environ 400 000 dollars, avec seulement quelques noms reconnaissables comme Jason Robards Jr. et Tiger, le chien de The Brady Bunch. Le scénariste-réalisateur L.Q. Jones a utilisé une grande partie des dialogues d’Ellison, et l’auteur était généralement satisfait du film — sauf pour la dernière réplique, qui rendait la fin sanglante plus explicite lorsque le jeune homme choisissait son chien affamé plutôt que la femme qui s’échappait avec eux.
2 Testament (1983)
Cette adaptation de la nouvelle “Le Dernier Testament” a été à l’origine produite pour American Playhouse de PBS, mais sa qualité a valu une sortie en salle le 4 novembre 1983. Contrairement aux films précédents riches en action, il se concentrait sur la lutte silencieuse d’une communauté pour survivre après qu’une frappe nucléaire invisible ait détruit les grandes villes.
Jane Alexander reçut une nomination aux Oscars en tant que mère désespérée de garder sa famille unie dans une ville de Californie rurale coupée du monde extérieur. Alors que les voisins succombent à l’intoxication radioactive, des flashbacks après leur mort ont été tournés avec une caméra Super 8 à la main pour imiter des films familiaux de la vie avant la bombe. L’intimité du film et son absence d’effets spéciaux en firent l’une des représentations les plus émotionnellement réalistes de l’après-nucléaire jamais filmées.
1 Le jour d’après (1983)
Seulement quelques semaines après Testament, environ 100 millions d’Américains ont regardé Le jour d’après à la télévision. Contrairement à son homologue plus tranquille, ce téléfilm de la chaîne ABC dépeignait les événements avant, pendant et après une frappe nucléaire sur les États-Unis, se concentrant sur les survivants à Lawrence, Kansas. Plus de 2 000 habitants servirent de figurants, dont certains furent payés 50 dollars pour se raser la tête afin de simuler la maladie des radiations. Des séquences graphiques furent supprimées lorsque la version de quatre heures fut réduite de moitié.
Lors de la diffusion, ABC a diffusé le film sans publicité — aucun sponsor ne souhaitait l’espace publicitaire. Le disclaimer du réseau se lisait : “Dans sa présentation, ABC n’a pris aucune position quant à la manière dont un tel événement peut être déclenché ou évité.” Des lignes d’assistance furent ouvertes pour aider les téléspectateurs en détresse.
Le programme se conclut par un panel en direct avec le scientifique Carl Sagan, l’ancien secrétaire d’État Henry Kissinger, l’auteur Elie Wiesel et l’ancien secrétaire à la Défense Robert McNamara. Alors que les relations américano-soviétiques commençaient à se réchauffer doucement, Le jour d’après fut diffusé en URSS en 1987, bouclant sa boucle mondiale d’avertissement.
