Le paysage des grandes franchises cinématographiques est devenu de plus en plus fluide ces dernières années, avec des propriétés intellectuelles passant de studio à studio plus souvent que jamais. Cette tendance est mise en avant par les récents développements autour de la franchise Jason Bourne, qui, après deux décennies à Universal Pictures, est maintenant proposée à de nouveaux foyers potentiels, notamment Netflix, Apple et Skydance.
Lorsque qu’une franchise bien-aimée change de studio, les fans s’inquiètent naturellement d’une éventuelle baisse de qualité. L’histoire a toutefois montré qu’un nouveau point de vue peut revitaliser une série devenue stagnante. Alors que les droits de Bourne et d’autres grandes propriétés continuent de changer dans le paysage évolutif d’Hollywood, examinons des histoires de succès passées où des changements de studio ont réellement amélioré la fortune des franchises.
Sommaire
10 La franchise Halloween
Après plusieurs reboots et une chronologie de plus en plus compliquée, la franchise Halloween a retrouvé une nouvelle vie lorsque Blumhouse Productions s’est associé à Universal pour le film de 2018, suite directe du film original de 1978. En ignorant les suites précédentes et en faisant revenir Jamie Lee Curtis dans le rôle de Laurie Strode, le film s’est reconnecté avec ce qui rendait l’original de John Carpenter si marquant.
L’approche simplifiée s’est avérée extrêmement réussie, le film de 2018 devenant le plus rentable de la franchise et donnant naissance à deux suites supplémentaires qui ont complété une nouvelle trilogie. Le modèle à petit budget et à fort concept de Blumhouse a permis des risques créatifs tout en maintenant la rentabilité, montrant comment une approche de studio ciblée peut revigorer même les franchises d’horreur les plus vastes en revenant à leurs éléments essentiels au lieu de continuer à construire sur une mythologie compliquée.
9 La franchise Terminator
La franchise Terminator a changé de mains plusieurs fois depuis le classique original de James Cameron en 1984, avec des résultats variés. Alors que les entrées ultérieures ont eu du mal, le retour temporaire des droits à Cameron pour Terminator: Dark Fate de 2019 chez Paramount a montré des éclairs de ce qui rendait les premiers films spéciaux, en ramenant Linda Hamilton et en mettant l’accent sur les personnages aux côtés du spectacle.
Cependant, même si Dark Fate a sous-performé commercialement, les critiques ont généralement convenu qu’il représentait la meilleure entrée depuis Terminator 2, montrant comment l’implication du créateur original, combinée à la bonne approche du studio, peut récupérer une partie de la gloire passée d’une franchise. L’histoire complexe des droits de la série révèle à la fois les dangers et les bénéfices occasionnels du changement de propriété intellectuelle, la qualité étant souvent liée à l’implication du créateur, peu importe quel logo de studio apparaîtra avant le film.
8 La franchise La Planète des Singes
La franchise La Planète des Singes semblait épuisée après le remake de 2001 par Tim Burton, qui n’a pas réussi à lancer une nouvelle série. Cependant, la patience du studio et sa volonté de réinventer complètement la propriété une décennie plus tard ont rapporté d’extraordinaires dividendes. À partir de 2011, avec La Planète des Singes: Les Origines, Fox (plus tard acquis par Disney) a élaboré une trilogie préquelle réfléchie combinant une technologie de capture de mouvement de pointe avec une narration captivante.
Avec des réalisateurs comme Rupert Wyatt et Matt Reeves, et ancrée par la performance remarquable d’Andy Serkis dans le rôle de César, la trilogie rebootée a gagné à la fois l’acclamation critique et le succès commercial. La série est passée d’une propriété dormant à l’une des franchises de science-fiction les plus respectées d’Hollywood, démontrant comment repenser complètement une approche peut donner un nouvel élan à un territoire familier.
7 La franchise James Bond
Bien que l’impact complet de l’acquisition par Amazon de MGM et de la franchise James Bond reste à voir, l’ère précédente sous Eon Productions et MGM/Universal a connu une croissance énorme avec la série de films de Daniel Craig. L’évolution de la franchise a été marquée par Casino Royale de 2006, qui a marqué un changement dramatique de ton et d’approche, revitalisant une propriété vieille de plusieurs décennies.
Le mandat de Craig a culminé avec No Time to Die, fournissant une conclusion émotionnelle à son arc de personnage tout en rapportant plus de 774 millions de dollars dans le monde malgré les défis posés par la pandémie. Alors que la franchise passe sous la propriété d’Amazon, la réinvention réussie sous l’ancien partenariat de studio offre un modèle sur la façon dont les propriétés établies peuvent être rafraîchies tout en conservant leur attrait essentiel. L’histoire récente de Bond suggère que parfois, le plus grand risque—réinventer une icône—offre la plus grande récompense.
6 La franchise Predator
Lorsque Disney a acquis 20th Century Fox, ils ont hérité de la franchise Predator, qui avait peiné à retrouver la magie de l’original de 1987 malgré de multiples tentatives. Plutôt que de continuer les modèles de suite précédents, les studios 20th Century de Disney ont adopté une approche audacieuse avec Prey en 2022, plaçant l’histoire en 1719 et se concentrant sur un guerrier comanche face au chasseur extraterrestre.
La sortie du film directement sur Hulu (Disney+/Star internationalement) a d’abord soulevé des sourcils, mais la vision fraîche du réalisateur Dan Trachtenberg a remporté un large succès critique, beaucoup le considérant comme la meilleure entrée depuis l’original. En privilégiant une narration plus forte plutôt que des budgets plus importants et en revenant aux racines suspendues de la franchise, Disney a montré qu’un changement de perspective studio peut aider une série à retrouver ce qui la rendait spéciale à l’origine.
5 La franchise Godzilla
Après la tentative mal reçue de TriStar en 1998, l’emblématique Godzilla de Toho a trouvé un foyer plus respectueux lorsque Legendary Pictures a acquis les droits et lancé leur “MonsterVerse” avec le reboot de Gareth Edwards en 2014. Le film est revenu aux racines sérieuses de la créature tout en incorporant des capacités modernes d’effets visuels, trouvant un équilibre entre spectacle et gravitas.
Le succès du reboot a conduit à l’expansion d’un univers cinématographique avec Kong: Skull Island, Godzilla: King of the Monsters, et le financièrement réussi Godzilla vs. Kong. L’approche de Legendary a validé l’attrait mondial des films kaiju lorsqu’ils sont exécutés avec l’échelle appropriée et le respect du matériel source. Ce changement de studio a revitalisé non seulement un personnage, mais a permis à toute une franchise de film de monstres interconnectés de continuer à croître.
4 La franchise Dune
Après une adaptation ratée en 1984 par Universal et une série télévisée limitée, l’épopée de science-fiction comme étant “impossible à filmer” de Frank Herbert, Dune, a retrouvé une nouvelle vie lorsque Legendary Pictures a acquis les droits et s’est associée à Warner Bros. pour la distribution. L’approche du réalisateur Denis Villeneuve – divisant le premier livre en deux films et traitant la source avec vénération – a été couronnée de succès tant critique que commercial.
Sorti en 2021 pendant la pandémie, Dune a tout de même réussi à rapporter plus de 400 millions de dollars aux États-Unis et à remporter six Oscars. L’adaptation réussie de ce matériel complexe a prouvé que parfois, une propriété nécessite le bon partenariat avec un studio au bon moment culturel pour atteindre son potentiel. L’engagement de Legendary envers la vision de Villeneuve a établi une franchise viable à partir d’un matériel qui avait longtemps résisté à une adaptation réussie.
3 La franchise Blade Runner
Le film de Ridley Scott, Blade Runner, a été produit par Warner Bros. en 1982, mais la propriété a changé de mains à plusieurs reprises avant que Warner Bros. ne récupère les droits et s’associe à Sony pour une suite très attendue. Blade Runner 2049 de Denis Villeneuve est arrivé en 2017, se déroulant 30 ans après l’original et conservant son noyau philosophique tout en élargissant son langage visuel.
Bien qu’il n’ait pas été un blockbuster commercial, 2049 a reçu des critiques élogieuses pour sa cinématographie époustouflante (gagnant au légendaire directeur de la photo Roger Deakins son premier Oscar) et pour son expansion réfléchie des thèmes de l’original. Le soutien du studio à un film de science-fiction cérébral et lent, avec un budget substantiel, a démontré une rare intégrité artistique dans le cinéma de franchise, créant l’une des suites les plus respectées de l’histoire du cinéma.
2 La franchise Mad Max
Pendant près de 30 ans, la franchise Mad Max est restée dormante après Beyond Thunderdome en 1985. Lorsque le créateur George Miller a finalement ramené sa vision post-apocalyptique sur les écrans en 2015 avec Fury Road, il l’a fait avec Warner Bros. plutôt qu’avec le distributeur des films originaux, MGM. Ce changement de studio, associé à la vision créative sans compromis de Miller, a abouti à l’un des films d’action les plus acclamés du XXIe siècle.
Fury Road a maintenu l’esprit de la trilogie originale tout en élevant la narration et le style visuel à de nouveaux sommets. Le film a remporté six Oscars et une acclamation critique universelle, revitalisant une franchise que beaucoup considéraient comme conclue. Ce succès a conduit Warner Bros. à donner le feu vert au préquel Furiosa, montrant comment un changement de supervision de studio, associé à la passion du créateur, peut ressusciter une propriété dormante.
1 La franchise Spider-Man (MCU)
Quand la série The Amazing Spider-Man de Sony a flanché avec sa seconde production en 2014, peu auraient pu prédire la spectaculaire renaissance qui suivrait. Après des négociations complexes, Sony Pictures et Marvel Studios ont réussi un accord sans précédent permettant à Spider-Man d’apparaître dans le Marvel Cinematic Universe tout en conservant les droits de distribution. Ce partenariat a introduit la nouvelle interprétation de Tom Holland du personnage de Peter Parker dans Captain America: Civil War avant qu’il ne prenne la tête de Spider-Man: Homecoming.
Le changement a permis d’intégrer Spider-Man dans l’univers établi de Marvel, créant de nouvelles dynamiques avec des héros comme Iron Man et Captain America tout en maintenant ses qualités essentielles. Le résultat n’a pas seulement été l’acclamation critique mais aussi un immense succès commercial – Spider-Man: No Way Home est devenu le film le plus rentable de Sony avec près de 1,9 milliard de dollars dans le monde, prouvant que parfois, céder le contrôle créatif à un autre studio peut produire des résultats remarquables.
